时隔5个月，《南京照相馆》在工作日票房实现连续一周破亿，为中国电影注入了一剂强心针，也让人们看到暑期档冲击40亿 + 票房的希望。这部电影的成功，不仅在于其亮眼的市场表现，更在于它为电影创作带来了诸多启示。

主流叙事的新呈现

自1987年提出主旋律概念以来，这一类型电影经历了多轮更迭。从新世纪初探索融合商业类型片，诞生了《战狼2》《长津湖》系列等成功作品，到后来有学者认为应将主旋律更名为新主流电影，如《流浪地球2》《唐探1900》。然而，主流叙事与娱乐性的结合始终存在矛盾，引发舆论争议。

《南京照相馆》的出现标志着主流叙事以返璞归真的方式呈现。编剧许渌洋表示，创作之初就明确要做严肃题材，克制娱乐性呈现，靠叙事力度“击穿”观众情绪。在当下电影行业追求工业发展、制造华丽视效却让观众视觉阈值升高的背景下，《南京照相馆》回归内容，形成了多点式、发散状的口碑传播，预示着电影创作应回归本质，追求纯粹的叙事力量。

“侧写”策略与细节魅力

提到南京大屠杀题材，很多人会以为电影会采用直白的“哭片”手法煽情。但《南京照相馆》反其道而行之，对残忍画面呈现克制，将镜头对准加害者，而非消费受害者苦难。例如呈现慰安制受害者遭遇时，镜头聚焦日军毫无怜悯的脸庞和溃烂身体。这种“侧写”策略形成了反差叙事，让观众产生久违的感动。

观众热衷于“拿放大镜”看电影，扒出邮差编号“1213”是南京大屠杀死难者公祭日、毓秀唱抗战戏《四季歌》、最后活下来两人姓氏连起来是“金林”等细节“彩蛋”。这些是编剧团队精心埋下的“信息矩阵”。在短视频时代，电影面临信息量竞争，需要用高颗粒度、高分辨率的细节呈现给观众独特体验。许渌洋认为，电影要讲清楚信息，依赖讲故事的基本功，《南京照相馆》不仅讲明白外部A故事（一群普通百姓从求生到舍身传递相片），还让内部B故事（阿泰对伊藤友谊的认知转变）引发广泛讨论。“我们不是朋友”这句台词让观众深刻思考，正如许渌洋所说：“当阿泰明白朋友关系背后付出的代价是什么，才知道如何做出他的选择。当下的我们也是如此，知道过去发生过什么，才知道未来该何去何从。”

贴近时代的人物塑造

过去战争题材创作常借鉴好莱坞反战片叙事模板，塑造有良知的加害者“反思怪”，引发争议。《南京照相馆》选择将人物样本选取权力交给观众，站在观众角度，以关照普通老百姓的真诚感拉近与观众的距离。影片选取的人物如快递员阿泰、十八线小演员毓秀、小商贩老金一家、片警宋存义、留过洋的凤凰男王广海等，都是贴近当下观众生活的普通人。

这些原本过着平常日子的普通人，突然卷入屠杀，他们的认知随局势变化而改变。阿泰、老金、宋存义从“求生”的畏惧转变为“赴死”的反抗。许渌洋认为，塑造人物可以复杂有“毛边”，但大层面要有高的站位，创作者要对世界变化和当今困境有全面认知，保证人物符合时代所需。他和申奥作为北京小孩，关心时代位置和与外部世界的关系，这种胸怀祖国、放眼世界的视角也融入到电影创作中。

电影手艺人的坚守

许渌洋将自己比作电影圈的“老金”，认为编剧是职业、工种和手艺，要先练好技术，再谈艺术追求。好莱坞有成熟的工业体系和工种帮助编剧完成叙事系统，而中国电影要摸索出自己的主流叙事体系，还有很长的路要走。

学校人才培养体系常倾向于培养金字塔尖的艺术家，而忽视了大多数创作者。许渌洋和申奥受宁浩导演“魔鬼训练”，通过近十年实践与训练，沉淀出叙事手艺，成就了《南京照相馆》的叙事力量。他们认为艺术先有“技”再有“艺”，很多商业片导演因基本功不扎实，犯故事原理基本错误，导致影片卖座不佳。

许渌洋和申奥希望做干到70岁以上的手艺人，成为电影行业的“老金”，也希望中国电影有更多这样的“老金”，专注于提升技艺，为故事和观众服务，推动中国电影健康发展。